Chronique ciné – Femmes libérées

Au cinéma aussi, c’est la rentrée. Les derniers films projetés à Cannes sortent enfin dans nos salles et nous accompagnent sur le difficile chemin de la reprise. Et quoi de mieux que de commencer une nouvelle année en découvrant le travail des femmes au cinéma ? Mettre en avant les femmes dans le 7e art, c’est un pari que beaucoup tentent de relever notamment en programmant de plus en plus de femmes réalisatrices dans les festivals. En 2018, une charte à été signée par le Festival de Cannes pour la parité et la diversité au sein des festivals de cinéma. Un an après c’est plus de 47 festivals signataires à travers le monde. En 2019, au total, 19 films sur les 69 de la sélection officielle du festival de Cannes ont été réalisés par des femmes. Nous sommes encore loin de la parité exemplaire… En ce mois de Septembre, je vous propose donc de découvrir deux films présentés à Cannes, écrits, réalisés et portés par des femmes : Une fille facile de Rebecca Zlotowski et Portrait de la jeune fille en feu de Céline Sciamma. Féminité, sensualité, liberté sont les maîtres mots de ces deux films, parfait pour finir l’été en beauté.

Une fille facile de Rebecca Zlotowski à été présenté lors de la Quinzaine des Réalisateurs et a remporté le prix SACD¹. Il est peu probable que vous n’en ayez pas encore entendu parler puisque le choix de la réalisatrice pour son rôle principal a suscité de vives réactions depuis quelques mois. En effet, il s’agit de Zahia Dehar, l’ex escort girl dont le nom est devenu célèbre lors de la médiatisation du scandale sexuel au sein de l’équipe de France de football en 2010. Un choix qui se révèle plutôt pertinent et qui permet à Rebecca Zlotowski de jouer alors sur l’image de sa protégée ainsi que sur le titre de son film. Une fille facile est un terme souvent employé dans notre société pour parler d’une femme qui ne se préoccupe pas des principes moraux imposés par la société et qui vit sa sexualité de manière très libre. Un terme que l’on emploi souvent pour une femme ayant de nombreux partenaires sexuels par exemple. Dans le film, Sofia (jouée par Zahia) est une jeune femme de 22 ans qui se sert, consciemment, de son physique pour vivre des moments privilégiés avec des hommes riches. Sexe, liberté, cadeaux : elle joue de son apparence et des fantasmes qui lui sont attribués pour atteindre ce qu’elle souhaite. La réalisatrice a fait le choix de raconter cette histoire à travers le regard de Maina (interprétée par la jeune Mina Farid), la cousine de Sophia. Une ado de 16 ans, en proie au doute quant à son avenir et à son image, en pleine découverte du corps et de ses sensations. Un regard doux, parfois accusateur, souvent admiratif qui permet à la caméra de filmer le corps de Zahia avec tendresse et élégance. La vulgarité n’est jamais présente à l’écran, malgré quelques scènes de sexe très crues. Un conte d’été, une parenthèse enchantée sur la féminité, la sexualité et la liberté, filmé avec une justesse et une douceur incroyable. Le mystère reste entier en ce qui concerne Sofia. Elle est intelligente, heureuse, épanouie et se joue des images que les autres lui collent mais nous ne saurons jamais qui elle est réellement. Une attitude assumée mais parfois épuisante. Dans un monde où la parole et les mœurs se libèrent, il est encore très difficile de s’assumer totalement lorsque l’on est une femme. Rebecca Zlotowski dépoussière le rôle de la bimbo et fait éclater les préjugés. La réalisatrice ne prône pas un seul corps et une seule manière de se libérer. Elle se sert juste d’une image parfois figée pour exprimer la complexité de cette liberté.

Au cinéma depuis le 28 août 2019. Une fille facile de Rebecca Zlotowski avec Zahia Dehar, Mina Farid, Benoît Magimel et Nuno Lopes.

Dans un tout autre contexte et une époque tout à fait différente, plongez au cœur du dernier film de Céline Sciamma (Tomboy, Bande de filles) : Portrait de la jeune fille en feuavec Adèle Haenel et Noémie Merlant. C’est certainement le film qui m’a le plus touchée à Cannes. Présentée en compétition officielle où elle obtient le prix du scénario, Céline Sciamma semble à première vue offrir au public une histoire d’amour banale, lente et en costumes. Mais le film est tellement plus intéressant que ça. Tout comme dans le film de Rebecca Zlotowski, il s’agit ici d’une histoire de regards. Les femmes se regardent, s’observent, s’acceptent, se désirent et finissent par s’aimer. Céline Sciamma parvient à nous offrir un film sublime (mise en scène, réalisation, photographie) tout en banalisant des sujets qui sont pourtant encore aujourd’hui très difficiles à traiter ou à montrer à l’écran sans être catégorisés. Réussir à faire un film d’époque sur une histoire d’amour entre deux femmes, ponctué par des scènes d’avortement, de menstruations et d’érotisme, c’est du grand art. Portrait de la jeune fille en feu ne s’adresse pas uniquement à un public cible (LGBTQ+, femmes, aficionados de films en costumes etc) : c’est un film sur l’amour et la liberté qui s’adresse à tous. Et je trouve remarquable de parvenir à mettre de la banalité dans des sujets qui sont, dans la réalité, encore tellement difficiles à mettre en lumière. Céline Sciamma réussi là où beaucoup ont échoué, elle parvient à parler d’amour et de femmes sans jamais utiliser les clichés et les préjugés que nous connaissons tous. Elle propose une œuvre unique en utilisant le naturel et la sensualité là où d’autres misent sur la provocation, le drame et le sexe à outrance. Les corps sont filmés naturellement, la caméra est douce, le désir est fort mais pas exagéré, les actrices sont montrées nues sans vulgarité ni pudeur. Le quotidien de ces femmes est également filmé avec naturel : la douleur des menstruations, l’absence de celles ci, les poils qui font partie intégrante du corps féminin, le vin, la nourriture mais aussi l’ennui. Ce film est un portrait de la vie de femme, à l’époque certes, mais qui touche toutes les époques en parlant de sujets intemporels et nécessaires. Enfin une représentation de la femme qui ne soit pas exagérée, revendiquée, dramatisée, caricaturée : il s’agit d’un être humain qui a le droit de disposer de son corps comme elle le souhaite, d’avoir des choix, une vie sexuelle, des idées, des goûts etc. Un film nécessaire que je vous invite à découvrir dès que possible.

Au cinéma à partir du 18 Septembre 2019. Portrait de la jeune fille en feu de Céline Sciamma avec Adèle Haenel et Noémie Merlant.

Si vous souhaitez en savoir plus sur ces films et entendre les réalisatrices parler de leur travail, je vous conseille fortement d’aller écouter le podcast SHECANNES de Iris Brey. Il s’agit d’une collection d’entretiens qui donne la parole aux femmes du 7e art : actrice, réalisatrice, productrice etc. Il y a pour l’instant une saison avec neuf invitées notamment Rebecca Zlotowski, Céline Sciamma mais aussi Camille Cottin ou encore Alice Diop. N’hésitez pas à aller faire un tour pour écouter ces femmes parler de cinéma, de parité, de féminisme, d’expériences etc. Passionnant et enrichissant.

http://www.shecannes.fr/

Et pour aller plus loin sur la question de la diversité au cinéma, je vous encourage à vous renseigner notamment sur le collectif 50/50 (créateur de la charte sur la parité) qui se bat pour faire en sorte que les femmes soient de plus en plus visibles et respectées dans le milieu.

http://www.5050×2020.fr/

Bonne rentrée à tout le monde, on se retrouve le mois prochain pour une nouvelle chronique !

Lilylaura Devillers – Regard Caméra

1SACD : société des auteurs et compositeurs dramatiques

CANNES 2019 – Parasite de Bong Joon-Ho (Palme d’or)

Et la palme d’or est attribuée à … Parasite de Bong Joon-ho ! Au delà des sempiternelles discussions sur le pourquoi du comment et surtout sur le mérite du réalisateur concernant ce prix, je pense que cette palme a une toute autre signification. Le film est vraiment bon, malgré quelques choix décevants à mon sens (j’y reviendrai plus bas dans mon analyse) et il fait partie des meilleurs films diffusés sur la croisette cette année. En partant de là, il méritait évidemment de repartir avec quelque chose. Là où il faut se questionner c’est … pourquoi la palme cette année? Bong Joon-Ho est un très grand cinéaste coréen, connu notamment pour ses œuvres comme Memories of Murder (2003), The Host (2006), Mother (2009) ou encore Snowpiercer (2013). Des œuvres poétiques, sociales, politiques et souvent violentes que ce soit dans les gestes, dans la mise en scène ou le dialogue. Des films qui n’ont jamais connu de véritables ovations en festival et surtout à Cannes, où l’année dernière son dernier film Okja avait reçu les huées du public lors de l’apparition du slogan de la plateforme de streaming Netflix pour laquelle le film avait été crée. Un parcours et une expérience cannoise/française assez perturbante pour le réalisateur qui mérite pourtant toute notre attention. Il est donc émouvant et appréciable que cette année, Parasite reçoive autant de critiques positives et qu’il reparte avec la plus haute distinction française. Cependant, j’ai toutefois été assez surprise de ce choix. Parasite est un film qui traite du même sujet que tous ses prédécesseurs, thème fondateur des œuvres de Bong Joon-ho : la lutte des classes.

La lutte des classes, la cohabitation entre les riches et les pauvres est un problème universel dans le monde actuel. Qu’on le veuille ou non, nous sommes obligés de coexister, et le film parle des difficultés qui en résultent. En France, vous avez le mouvement des « gilets jaunes », qui a démarré en raison du prix de l’essence , puis a pris une autre tournure. Nous avons le même genre de tensions en Corée . Or, je ne pense pas qu’on arrivera à une solution miracle , ni qu’il faille attendre un messie.

Bong Joon-Ho, Propos recueillis par Laurent Carpentier, à Cannes pour Le Monde

Un thème, un problème universel qui lui tient à cœur, qu’il réinvente à chaque fois et dont il parle dans tous ses films avec une approche différente. Dans Parasite, l’approche est celle de la comédie : une comédie « tragicomique » comme il le précise dans plusieurs interviews. Habituée à sa maitrise du rythme, de la poésie, de l’écriture et de la mise en scène, j’ai été assez déçue de voir que le film ratait son virage dans la dernière partie. En effet, lorsque la comédie laisse place au tragique, les évènements semblent bâclés ou fourre-tout. Le rythme est inégal, la fin trop lente et surtout les sous-textes sont expliqués de nombreuses fois. Ce film a été écrit pour le grand public et cela se sent. Bong Joon-Ho, après avoir été hué par une partie des spectateurs cannois l’an dernier, est revenu avec un film pour mettre tout le monde d’accord. Et c’est le bémol. C’est dommage parce que, même si Parasite a tout de son auteur (mise en scène incroyable, photographie magnifique, acteur fétiche et sous texte politique), il tombe presque dans la caricature de son thème. La dernière partie est bien trop longue et il nous explique par tous les moyens ce qu’il a tenté de nous montrer pendant 2h20. Le film perd de son intérêt à la minute où le réalisateur coréen croit nécessaire de prendre les spectateurs par la main. Sa filmographie est faite de films politiques et poétiques, jamais il n’a fait en sorte de simplifier son propos mais plutôt de le laisser être interpréter par le spectateur et c’est ce qui fait sa force. Cette fois, il a bien trop appuyé les choses et malgré des dialogues (et des situations) certes très drôles, le film manque cruellement de subtilité.

Bong Joon-Ho et la Palme d’or au Festival de Cannes 2019

On comprend alors que ce choix de la part du jury du 72e festival du film est principalement politique (comme souvent). S’agit-il de montrer qu’un réalisateur boudé pour ses choix peut être encensé par la suite (dans ce cas c’est un grand espoir pour Kechiche par exemple)? S’agit-il d’une manière de soutenir ces questions de lutte des classes qui se posent dans le monde entier et en France depuis quelques mois avec les gilets jaunes? Ou est-il possible que, pour une fois, la palme d’or ai été donnée à un film populaire, actuel, politique ET accessible? En tous les cas, la carrière de Bong Joon-Ho méritait cette palme et j’ai été très émue de la voir lui être remis. Mais si on s’arrête uniquement au film auquel elle était destinée … je suis assez perplexe. Je reviendrais d’ailleurs dans quelques jours vous parler du film qui, à mon sens, méritait ce prix pour bien d’autres raisons.

Mais du coup, cette palme d’or, ça donne quoi véritablement?

Palme d’or méritée ou non, la question n’est plus si pertinente. Le film sort aujourd’hui (05/06/2019) dans les salles françaises et je vous conseille très fortement d’aller le voir. Ce n’est pas le meilleur film de son auteur mais c’est un film qui fourmille d’idées, de beauté et d’humour. Il est d’ailleurs assez pertinent de commencer par celui ci, pour ceux n’ayant encore jamais vu d’œuvres de Bong Joon-Ho. Étant assez accessible, le film vous plongera dans l’univers de son réalisateur et dans ses thèmes de prédilection (lutte des classes, pauvreté, famille etc). Les acteurs sont également des personnes récurrentes dans la plupart de ses films ( Song Kang-Ho) et la mise en scène est également très proche de ce qu’il aime faire (pleine de métaphores, de plans larges, de détails etc). Parasite est, je pense, une bonne entrée en matière dans l’univers du réalisateur sud-coréen. Vous pourrez ensuite découvrir ses films précédents avec Snowpiercer par exemple, adaptation des comics avec un gros budget et un casting plus « américain », qui est l’un des films les plus onéreux de sa filmographie même s’il n’est pas aussi subtil que d’autres. Puis vous pourrez vous approchez de Okja, ovni porté par Tilda Swinton (incroyable comme toujours) et enfin attaquer les plus gros morceaux à savoir Memories of Murder (sublime), Mother ou encore Barking Dog.

Parasite raconte l’histoire d’une famille très pauvre qui va réussir à s’infiltrer dans la maison d’une famille très riche en se faisant embaucher dans chaque poste essentiel au fonctionnement du quotidien de cette élite (aide aux devoirs, chauffeur, gouvernante etc).

Toute la famille Ki-taek est au chômage. Après avoir été présenté à une mère de famille des beaux quartiers, le fils réussit à trouver un emploi de professeur de maths auprès de l’adolescente de la famille. De fil en aiguille, et surtout après de nombreuses machinations, la famille Ki-taek toute entière parvient à se faire embaucher chez les Park. Un envahissement dans un monde qui n’est pas le leur et qui va entrainer de nombreuses complications.

Le scénario de base est assez simple mais puissant. La lutte des classes en première ligne, les différences de quotidien, la crédulité de l’élite et les complots des pauvres pour prendre leur place : Bong Joon-ho pose les bases. Mais comme toujours dans ses films, il y a de nombreuses subtilités. L’une des premières scènes du film montre les deux jeunes Ki-taek en train de chercher nerveusement du wifi dans le sous-sol qui leur sert d’habitat. Une situation grotesque mais qui n’est pas sans rappeler celle que nous vivons tous chaque fois que l’internet nous échappe. Bong Joon-ho met alors l’accent sur de nombreuses choses qui parasitent notre quotidien : la recherche de reconnaissance, d’argent et aujourd’hui de wifi. Le titre du film n’est pas destiné uniquement à la famille Ki-taek, mais également à la famille Park, a la pression sociale, aux inégalités qui parasitent notre quotidien etc.

Des subtilités qui s’évaporent dans la dernière heure de film mais je n’en dirais pas plus, pour respecter votre expérience du film comme l’a demandé publiquement Bong joon-ho dans une lettre ouverte à la presse internationale : « Je vous demande donc de bien vouloir protéger les émotions des spectateurs : Quand vous écrirez une critique du film , je vous prie de bien vouloir éviter de mentionner ce qui va se passer après que le fils et la fille aient commencé à travailler chez les Park , tout comme les bandes annonces s’en sont gardées. Ne rien révéler au-delà de cet arc narratif sera, pour le spectateur et l’ équipe qui a rendu ce film possible, une véritable offrande ».

Je m’arrête donc là et reviendrai surement avec une analyse plus poussée dans quelques temps lorsque le film ne sera plus en salles. Je vous encourage fortement à aller découvrir cette drôle de palme sur grand écran. Bong Joon-Ho est un plasticien hors pair, un poète, un dialoguiste et un réalisateur formidable. Il est, à mon sens, l’un des plus grands cinéastes de notre époque. Parasite n’est pas son film le plus fort, mais il vaut le détour, ne serait-ce que pour quelques plans absolument parfaits ou certains dialogues aiguisés. Et comme je le disais plus haut, c’est certainement son film le plus « accessible » et qui parlera à tous.

Rendez-vous dans les salles dès aujourd’hui pour découvrir sur grand écran Parasite de Bong Joon-Ho et dans vos canapés pour s’immerger dans son univers pour ceux qui ne le connaissent pas encore !

CANNES 2019 – Rencontre avec Robert Rodriguez : créativité et retour aux sources

Le Festival de Cannes ce n’est pas uniquement des files d’attentes immenses pour voir un film, mendier une invitation pour le tapis rouge ou se faire recaler des séances les plus demandées. C’est aussi des évènements incroyables (et uniques) par ci par là, qui permettent au public de rencontrer des professionnels ou de découvrir un film et un univers particulier. Cette fois ci, après trois longues heures d’attente, j’ai eu la chance de participer à la masterclass organisée (par et) avec Robert Rodriguez, grand ami de Tarantino mais surtout réalisateur de El Mariachi (1993), Sin City (2003) ou plus récemment Alita : battle angel (2019). Un réalisateur qui ne fait pas partie de ceux qui me font vibrer mais plutôt de ceux qui m’interpellent notamment par leur travail technique et leur implication dans les œuvres. Personnage haut en couleurs, avec une forte personnalité, il a débarqué sur la scène de la Quinzaine des Réalisateurs avec son chapeau de cowboy et ses notes pour nous parler de son nouveau film RED 11 et de son histoire. Retour sur cette rencontre riche et passionnante.

Avant toute chose, re-contextualisons le travail de Rodriguez sur El Mariachi qui est le point de départ de sa carrière mais aussi de ce nouveau film : RED 11. Il faut savoir que pour son premier film, Robert Rodriguez n’avait pas un sous en poche. Il a donc pris le pari fou, de réaliser ce premier long métrage dans des conditions précaires : une équipe réduite, un réalisateur multi taches (scénariste, réalisateur, chef opérateur, monteur, producteur etc) et surtout, un budget minuscule de 7000 dollars.

Affiche du film El Mariachi de Robert Rodriguez (1993)

Un pari qui lui a permis d’acquérir des connaissances sur tous les métiers nécessaires à la création d’un film et surtout, qui lui a apporté la consécration puisque El Mariachi a remporté plus de 2 millions de dollars au box office et le prix du public au festival SUNDANCE ainsi qu’à DEAUVILLE en 1994. Un succès qui lui permettra de lancer sa carrière et également, de proposer une trilogie avec Desperados en 1995 et Il était une fois au Mexique en 2003 (Once Upon a time … in Mexico, titre qui n’est pas sans rappeler celui du nouveau film de son ami Quentin Tarantino, en compétition officielle à Cannes).

Ainsi, Robert Rodriguez a souhaité réitérer l’expérience, 25 ans plus tard. Avec RED 11, un film d’horreur sur fond d’autobiographie, le réalisateur montre une nouvelle fois qu’avec peu de moyens on peut parvenir a un résultat assez incroyable et aller au bout de ses idées. 14 jours, une équipe technique composée principalement d’amis et de ses fils ainsi qu’un budget de 7000 dollars.

Durant cette masterclass, il a beaucoup insisté sur le fait que : « ce qui tient un film c’est la créativité ». Pour lui il était essentiel de mettre en avant ce point là : ce n’est pas une question de moyens financiers, de contacts, de réseaux ni même de temps. Il s’agit de prendre sa créativité, de lui donner tout ce qu’on a et de faire vivre nos idées (il a d’ailleurs plaisanté en précisant qu’il ne faut jamais risquer d’avoir pour épitaphe : « j’ai pas le temps »). Il a donc commencé par nous présenter en avant-première quelques minutes du making-of du film (qui sortira sous forme de documentaire) qu’il considère comme étant un « mode d’emploi pour les jeunes cinéastes sur le mode de fabrication d’un film avec un budget aussi serré ».

« J’ai tellement appris de cette première expérience » confie Rodriguez à propos d’El Mariachi. « C’est la raison pour laquelle je suis toujours dans le milieu en tant que réalisateur. Tu apprends tellement en étant ta propre équipe. Cela a été vraiment intéressant de retenter cette aventure d’autant plus que j’ai pu la documenter ».
Source : FilmsActu

Dans les deux extraits (une dizaine de minutes chacun) il met en avant des astuces pour écrire un scénario efficace, notamment avec un système de fiches (comme des fiches de révisions pour les étudiants). Il vous suffit d’écrire les idées principales : une idée/une scène/une fiche. Ensuite vous les posez par terre, et vous visualisez votre film. Si le rythme commence à ralentir, il faut absolument un élément fort à la fiche 12 ! On le voit donc étaler les scènes de RED 11 sur le sol et réécrire ses fiches au fur et à mesure. Une séquence assez intéressante suivie de celle du casting. Rodriguez a insisté sur le fait qu’en général, et surtout lors d’un film au budget serré, il est important d’avoir le visage de ses personnages en tête très vite. Le casting lui permet donc de mettre un visage sur chaque personnage et de réécrire au besoin certaines scènes en y mettant les traits de personnalité des acteurs choisis. Un premier échange passionnant donc suivi d’un deuxième extrait qui se concentrait principalement sur le montage et les petites astuces techniques : effets spéciaux, lumières, angles de caméras etc.

Un montage extrêmement précis et indispensable pour faire un film de qualité qui ne semble pas avoir été fait avec de la récup. Effets spéciaux (un aimant sous une table qui actionne un pouvoir surnaturel ou une paille coincée derrière une oreille qui donne l’illusion d’une seringue en plein globe oculaire), cascades (saut de 30 cm qui donne ensuite l’impression d’avoir été effectué de plusieurs mètres) ou encore musique additionnelle : le montage est certainement la partie la plus importante dans la création de RED 11 et Rodriguez semble y avoir passé un temps monstrueux. Mais alors, le résultat, ça donne quoi?

RED 11 est un film passionnant. Ne serait-ce que par sa condition d’œuvre créée sous la contrainte et en famille, avec un petit budget et un casting tout neuf. Le film est réellement intéressant, surtout lorsqu’on a en tête toutes les petites astuces de mise en scène ou de bricolage dont le réalisateur et son équipe ont mis en place. L’histoire est donc celle d’un jeune cinéaste qui s’engage dans une expérience médicale pour rembourser un prêt de 7000 dollars (tiens donc) à un gang. Une histoire quasiment autobiographique puisque lorsqu’il a fallu tourner El Mariachi, Robert Rodriguez a fait de nombreux séjours en hôpital pour servir de cobaye (ou de « rat de laboratoire » comme il aime le préciser) et gagner de l’argent de cette manière là. Entre horreur, gangster, humour et complot : le film est savamment dosé et les acteurs sont tous incroyablement crédibles. On retrouve d’ailleurs son ami Carlos Gallardo qui jouait le rôle principal dans El Mariachi. Des retrouvailles qui représentent un joli clin d’œil à la carrière des deux artistes.

RED 11 est un petit film crée grâce à une grande créativité et une belle passion. Cette masterclass a été une petite bulle d’oxygène au milieu de l’effervescence de Cannes. Une séance qui a remis les pieds sur terre et redonné de l’espoir, suivi d’un film totalement improbable qui a fait mouche au milieu des grosses œuvres présentées en compétition.

Robert Rodriguez (en noir avec le chapeau) et son équipe à sa droite lors de sa masterclass au Festival de Cannes 2019

Une belle rencontre et un beau moment. RED 11 de Robert Rodriguez et de la RR production, n’a pas encore de date de sortie française mais je vous tient au courant très vite ! En attendant, je vous mets quelques liens pour écouter ou lire les propos de Rodriguez sur ce film.

Podcast France Inter – Les 15 premières minutes de la master class

Petite interview de Robert Rodriguez à Cannes 2019 (allo ciné)

Interview Robert Rodriguez « Collider » sur RED 11

CANNES 2019 – Matthias et Maxime de Xavier Dolan

Un film de potes qui se transforme petit à petit en comédie romantique suite à un baiser lors du tournage d’un court-métrage. Voilà comment est résumé le dernier film de Xavier Dolan (en compétition officielle) par certains journalistes, et c’est tellement réducteur. Car oui, le jeune réalisateur québecois revient avec un film rempli d’amour et d’amitié, mais aussi de violence, de sincérité et de douceur. Un film qui bouleverse malgré quelques longueurs et qui est pour lui un nouvel exercice et un « nouveau départ » comme il aime le dire.

L’amitié entre « les deux M » est bien plus complexe qu’il n’y parait et ce depuis le début du film. On comprend très vite qu’ils ont toujours été bien plus proches que tout le reste de la bande mais qu’ils ne l’ont jamais véritablement assumés ni compris. Le baiser qu’ils échangent devant la caméra d’une de leur amies n’est qu’un prétexte pour raviver des sentiments enfouis depuis bien longtemps. Issus de deux milieux totalement différents : Matthias est fils d’avocat et Maxime fils de toxicomane. La violence est présente dans leur quotidien mais par des aspects différents. Matthias est confronté à une vie tracée qui l’enferme dans un quotidien qui ne lui ressemble pas et qui le fait souffrir profondément. Maxime quant à lui est face à une mère toxico, violente et abjecte qui lui reproche sa propre existence constamment. Alors, quand Maxime décide de partir en Australie pendant deux ans, les deux amis doivent se dire au revoir. Mais comment dire adieu à une relation si complexe et qui n’a finalement jamais aboutie?

Xavier Dolan offre une œuvre entière, emplie d’amour envers le cinéma mais aussi envers ses amis. On sent toute la douceur du réalisateur dans sa manière de filmer ces visages, cette bande d’amis soudés depuis des années. Certains plans sont absolument sublimes, notamment ceux qui lient Matthias et Maxime. Mais c’est surtout le montage qui est à saluer. Il est d’une précision et d’une poésie incroyable, sans en faire trop. Sans ça, le film aurait eu un tout autre aspect et on sent bien le gros travail derrière ce choix de montage qui permet à Dolan d’insufler un nouveau rythme qu’on ne lui connaissait pas jusqu’à présent. Un rythme avec lequel il s’amuse en le faisant chavirer entre euphorie et lenteur. Les scènes de groupe sont vraiment très réussies, ce brouhaha permanent lorsqu’on est entre amis, les blagues et les taquineries qui fusent, l’alcool et la proximité des corps : tout y est. En outre, le jeu de Xavier Dolan (qui interprète le rôle de Maxime) est réellement bouleversant et le personnage lui sied à merveille.

Matthias et Maxime est une œuvre accessible, emplie d’amour et qui nous offre des images absolument magnifiques. Un condensé de douceur et de violence qui résonne en chacun de nous. Une histoire d’amour mais aussi de vie qui en dis beaucoup, autant sur son réalisateur que sur la violence des sentiments que l’on peut parfois ressentir envers les autres mais aussi envers nous mêmes. Un thème qui nous rappelle furtivement son travail sur Les amours imaginaires (2010). A ne pas rater.

SORTIE le 16 Octobre 2019.

CANNES 2019 – Le programme courts de la Quinzaine des Réalisateurs : la femme sous toutes ses formes

Le Festival de Cannes met aussi à l’honneur le format court du cinéma. En dehors de la sélection officielle des courts métrages , la Quinzaine des Réalisateurs propose également un « programme courts » diffusé tout le long du festival. Cette séance se compose de quatre courts-métrages d’une vingtaine de minutes avec (sur la plupart des séances) la présence des réalisateurs qui prennent la parole avant la projection pour présenter leur film au public. La programmation de cette année s’est concentrée sur les femmes, au delà de la simple représentation, et les quatre films présentés empoignent tous ce thème avec panache mais avec une vision plus ou moins intéressante.

Les réalisateurs (et comédiens) du programme courts de la Quinzaine des réalisateurs le 19/05/19 à Cannes

Olla de Ariane Labed (premier film)

La comédienne Ariane Labed (Attenberg de Athiná-Rachél Tsangári) a présenté son premier film avec une grande émotion. Après avoir remercié son équipe et sans nous en dire vraiment plus sur le film, elle nous a laissé découvrir OLLA, un film de 28 minutes projeté en avant-première mondiale pour cette séance de la Quinzaine des Réalisateurs. OLLA ça raconte quoi? Le pitch est court mais résume parfaitement bien l’histoire: « Olla a répondu à une annonce sur un site de rencontre de femmes de l’Est. Elle vient s’installer chez Pierre qui vit avec sa vieille mère. Mais rien ne va se passer comme prévu. »

Romanna Lobach (Olla) et Grégoire Tacchnakian (Pierre)

OLLA est certainement le court-métrage que j’ai préféré. L’actrice, Romanna Lobach est vraiment incroyable. Le film ne comporte que très peu de dialogues et la comédienne doit donc jouer beaucoup avec ses expressions et son corps. Un corps dont Olla dispose comme elle le souhaite. Et c’est là toute la subtilité du film. Sans tomber dans la morale un peu lourde ou la dénonciation frontale, Ariane Labed construit son récit sur la liberté de cette femme de décider de ce qu’elle fera ou ne fera pas de son corps. En effet, Olla arrive en France pour devenir la compagne de Pierre, un homme d’une quarantaine d’années qui vit avec sa mère malade. Dès le départ, Olla est donc présentée comme une sorte d’offrande voir pire : un objet que Pierre s’est offert. La barrière de la langue et le malaise crée par la situation empêche Olla et Pierre de s’apprivoiser correctement. De plus, Pierre se fait pressant notamment sur l’intimité et Olla tente de le repousser plusieurs fois. Les scènes sont certes déconcertantes et donc assez comiques, mais montrent aussi parfaitement cette sensation que Pierre dégage : Olla lui appartient.

Là où la réalisatrice surprend et réussit son pari c’est dans le parallèle avec les scènes solitaires de Olla. Quand Pierre part travailler, elle se sent plus libre. Elle s’occupe de la mère (qui ne parle pas, et qui est également à la merci de son fils en quelque sorte), elle danse, se masturbe, se balade. Lors de ses sorties elle tombe souvent sur une bande de mecs qui la siffle ou l’insulte de pute quand elle ne leur répond pas. Un jour, Olla se retourne et s’avance vers eux : « 30 e la pipe, 100 l’amour » leur lance -t – elle. L’un d’eux accepte et s’isole avec elle. Et ce moment, Olla s’en délecte et semble plus forte. Plus tard elle se fera violer par Pierre, sans broncher, totalement déconnectée. Et c’est cette différence mise en avant qui m’a plu. Ariane Labed filme ce corps avec douceur, amour et douleur aussi. Le corps d’une femme qui n’appartient qu’à elle seule malgré les sollicitations extérieures. Un corps que Olla décide d’offrir lorsqu’elle le décide et non pas sous la contrainte. Un récit très bien écrit avec une réalisation très intéressante pour ce premier film. Standing ovation pour OLLA et Ariane Labed.

Plaisir Fantôme de Morgan Simon

Morgan Simon est le réalisateur de plusieurs courts métrages mais aussi d’un long métrage Compte tes blessures, soutenu à Cannes en 2015 par l’Atelier de la Cinéfondation. Cette année, il présente donc ce court métrage de 16 min, qu’il a défendu aux cotés d’Anna Polina, l’actrice principale. Plaisir Fantôme raconte l’histoire de Jeanne, actrice porno et mère célibataire, qui doit jongler entre sa vie professionnelle et sa vie de famille. Il n’était donc pas surprenant de découvrir Anna Polina dans le rôle titre, qui a d’ailleurs déjà fait quelques pas au cinéma depuis 2011.

Anna Polina (Jeanne)

Malheureusement, le film n’est pas totalement réussi. Malgré une idée intéressante au départ et qui me plait beaucoup : la représentation, autrement, de l’actrice de films pornographiques avec en toile de fond un rôle de mère aimante et responsable. Effectivement, Anna Polina est filmée de manière beaucoup plus sensible que d’ordinaire, on sent que Morgan Simon a voulu montrer l’humanité si souvent oubliée dans le porno. Une actrice n’est pas un bout de viande : c’est un être humain. En ce sens, la réalisation est assez jolie notamment avec des gros plans sur certaines parties du corps, sur la « réalité » de ce corps aussi (vergetures, plis, rides, tatouages viellis etc) et sur le visage d’Anna qui ressort avec une réelle douceur. Cependant, ce n’est pas suffisant pour construire un film intéressant. Le reste du film est très superficiel : on suit Anna pendant une journée de tournages, entre moments de vides, action, discussions assez peu originales avec de jeunes actrices (« tu regrettes pas ta vie? » etc) et pas très subtiles. Le film se perd dans ce qu’il voulait éviter au départ et c’est dommage. Seule la scène de fin, avec la mère et la fille qui se retrouvent pour une journée à la mer, est intéressante. La vision des deux corps dans l’eau, l’intimité entre la mère et sa fille qui enlève toute image sexuelle etc.

Plaisir Fantôme est donc une petite déception car malgré son envie (très louable) de départ, il ne parvient pas à atteindre son objectif et, au delà de ça, le jeu d’Anna Polina n’est pas encore très bon ce qui nous sort inévitablement de l’histoire.

Je te tiens de Sergio Caballero

Sergio Cabellero ou l’homme aux milles visages. Tantôt réalisateur, co-fondateur du Festival Sonar en Espagne (musique électronique), artiste plastique ou encore compositeur : Caballero a un sacré univers et son court métrage de 21 min est donc naturellement le plus énigmatique de cette sélection. Je te tiens raconte comment, lors d’un voyage en voiture qui passe dans différents mondes, une mère va tenter de dissuader sa fille de se suicider. Un drame expérimental, énigmatique, sombre et fantastique qui ne laisse pas indifférent mais qui ne laisse pas beaucoup de place au spectateur.

Cependant, on retrouve la grande Angela Molina dans le rôle de la mère et elle est toujours aussi incroyable. Vous l’avez surement déjà vue au cinéma, dans Étreintes Brisées ou En chair et en os de Pedro Almodovar, El Ultimo Traje de Pablo Solarz ou encore son premier grand succès : Cet obscur objet du désir de Luis Bunuel en 1977.

C’était donc assez impressionnant de rencontrer cette grande actrice espagnole qui joue ici le rôle d’une mère paniquée mais aussi très dure envers sa fille. Les dialogues sont très forts et notamment la pression de la maternité est très bien mise en lumière. Une nouvelle représentation des femmes et des pressions qui s’exercent sur elles, que ce soit dans la société comme au sein du cocon familial.

Les extraordinaires aventures de la jeune fille de pierre, Gabriel Abrantes

Dernier film de ce programme courts, et pas des moindres ! Un film plus léger mais avec une maitrise technique et une écriture vraiment passionnante. Ce court-métrage de 20 min a été réalisé par Gabriel Abrantes, un réalisateur qui a déjà été présenté à Cannes de nombreuses fois et qui a remporté le prix de la semaine de la critique l’année dernière pour son long métrage Diamantino. Il était donc présent pour présenter son nouveau court métrage qui s’avère être l’un des plus aboutis techniquement parlant de cette sélection. Mêlant animation, performance capture et plans réels : Les extraordinaires aventures de la jeune fille de pierre raconte l’histoire d’une statue banale du Louvre qui décide, à ses risques et périls, de s’enfuir du musée pendant la nuit et de découvrir le monde des humains. Petit remake plus intellectuel de La nuit au musée de Shawn Levy, ce court métrage se partage de manière très précis entre humour, références politiques (nuit debout, violences policières, condition de la femme, inégalités etc) et artistiques.

Un film très bien écrit et réalisé qui combine malgré tout un peu de clichés sociaux (le prof d’art révolutionnaire qui ne souhaite montrer à ses élèves que le tableau « La liberté guidant le peuple » de Delacroix et qui s’enfuit devant les policiers le soir venu etc). La mise en scène est également très réussie et le réalisateur a d’ailleurs remercié le musée du Louvre pour l’avoir autorisé à filmer à l’intérieur.

Ce programme courts de la Quinzaine des Réalisateurs était donc très surprenant mais vraiment qualitatif. Si je trouve les films en ligne après le Festival, je vous les partagerai avec plaisir. En attendant, de nombreux courts-métrages sont disponibles un peu partout et je vous encourage à en découvrir d’avantage car ce sont de belles découvertes et un bon court-métrage requiert une réelle maitrise de l’écriture ce qui rend les œuvres réellement passionnantes quand elles sont réussies.

On se retrouve très vite pour un nouvel article #cannes2019 !